Mélanie BERGER

Exposition du 26 septembre au 21 octobre 2017

Vernissage mardi 26 septembre de 18h à 21h

DE RENDEZ-VOUS EN RENDEZ-VOUS

Marjorie BRUNET / Marine CLASS / Julien LAFORGE / Oscar MALESSÈNE / Cécile MEYNIER / Mathilde ROUSSEL / Lucas RUIZ / Julie SAVOYE / Julia SCALBERT / Sophie TRUANT

Exposition du 12 au 24 septembre 2017

Vernissage Mardi 12 septembre de 18h à 21h

 

 

 

 

 

Chiman Dangi et Vincent Barré

« La grotte »

Exposition du mardi 13 juin au samedi 1 juillet 2017

Vernissage mardi 13 juin de 18h à 21h

C’est dans une grotte des Monts d’Auvergne qu’a lieu, il y a juste un an, notre première oeuvre commune : un chemin dans les arbres bagués d’anneaux d’argent et une stèle inscrite de paroles à la mémoire des habitants d’une ville du Rajasthan qui s’immolent il y a 300 ans, pour sauver leurs arbres sacrés spoliés par le roi, luttant ainsi contre la profanation de leur culture et la désertification de leur terre.

Aujourd’hui, c’est une vision plus lumineuse qui nous réunit à la galerie du Haut-Pavé : avec un ensemble de gravures sur bois et de dessins de Chiman Dangi associant végétaux et feuilles d’argent. Ils affirment son engagement pour des actions en faveur de la préservation des ressources, du travail, de la culture et de l’environnement partout menacés, particulièrement au Rajasthan.

Avec des sculptures en tôle d’acier que j’ai réalisées dans les aciéries Jindal de Vasind en Inde, au cours d’une résidence en 2001, ainsi que des sculptures en terre, cuites selon la technique locale de l’enfumage chez les potiers du village de Molella où j’ai rencontré Chiman.

Cette relation confraternelle s’exprime ici, comme le fruit du désir d’élargir à la France et à l’Europe l’expérience acquise par Chiman dans sa région et lors de résidences à l’étranger. Et comme le désir de révéler ce qui, dans mon oeuvre, est dû aux voyages, souvent solitaires, dans l’Inde des villages et des déserts himalayens, ou dans l’énergie des grandes métropoles.

Les ouvriers, artisans, habitants des grandes villes et des campagnes où nous avons travaillés sont associés à nos oeuvres.

Vincent Barré, mai 2017

Vincent Barré, sculpteur est né en 1948 à Vierzon, Cher. De formation architecte, il se tourne vers la sculpture, toujours inspiré par les contextes architecturaux et urbains, par l’histoire, par les oeuvres et les musées. C’est en effet dans les voyages qu’il forme sa vision humaniste et sa sensibilité politique, proche de l’ethnologie et des évènements du monde. Il se nourrit aussi du rapport aux formes construites et aux matériaux – fonte de fer et d’aluminium, acier assemblé, céramique. Il enseigne dans des écoles d’architecture puis aux Beaux-Arts de Paris, expose dans des musées d’art. Il collabore avec la Galerie Bernard Jordan à Paris.

vincentbarre.net

Chiman Dangi né en 1979 à Jodhpur, en Inde est élevé dans un petit village du Rajasthan, diplômé en 2003 de l’école d’art d’Udaipur où il passe un doctorat en 2014. Son travail d’installations et de performances s’inspire du contexte dans lequel il est né et vise à développer une meilleure conscience des enjeux locaux, une meilleure articulation entre le local et le global, à stimuler l’ouverture et la créativité de ces communautés rurales. Les enjeux de développement social et environnemental, de protection des ressources, de prévention des pollutions sont au centre de ses préoccupations. Il a reçu de nombreux prix et bourses, exposé en Inde et effectué des résidences en Inde, Nouvelle-Zélande, Népal, Géorgie, France (Sancy-Horizons). Il est commissaire d’exposition et président de la Kaman Art Foundation, membre fondateur du collectif d’artistes Sowing Seeds International pour des projets dans des communautés villageoises du Rajasthan. Il est fondateur de la résidence Art Junction à Udaipur.

chimandangi.blogspot.in/

chimandangi2@gmail.com

Matthieu PILAUD

« Heaume »

Exposition du mardi 18 avril au samedi 13 mai 2017

Vernissage Mardi 18 avril 2017 de 18h à 21h

Matthieu Pilaud s’engage dans des projets où s’entrecroisent données mathématiques, géomorphologiques et topographiques. Plongées dans la mémoire des lieux, ses œuvres majoritairement sculpturales et in situ entrent en dialogue avec l’histoire locale, s’articulant en fonction d’un système de formes et de structures dont la matérialité réactive certaines visées universelles de l’art moderne.
Plutôt épurées, minimales, à l’échelle humaine et éphémères, les sculptures de Pilaud s’inscrivent dans la répétition des formes générée par la sérialité que permettent l’industrialisation et l’ingénierie, mais aussi par des techniques plus anciennes. Souvent effectuées à partir de matériaux de construction solides, comme le bois, le métal et le plâtre, celles réalisées ici reposent, à l’inverse, sur l’usage d’une matière plus modeste et pliable, l’isorel. Sans l’intervention de la découpe à la machine et la répétition du geste engendrée par l’intermédiaire d’une mécanique lourde, Pilaud opte plutôt pour y disséquer la matière manuellement et plus modestement. Comme l’oscillation entre les contraires et leur enchevêtrement fait partie des caractéristiques intrinsèques de sa pratique, le fait main, repéré également dans l’application de pigment noir sur la surface des sculptures, est couplé à l’assemblage des pièces au faufilage, une technique de couture provisoire exécutée à la machine.

Disposées tant au sol qu’au mur, les structures générées par la rigidité des calculs procurent pourtant un caractère organique à l’œuvre, nouant des liens avec la nature et la culture. Alors que les projets antérieurs et in situ de l’artiste s’inspirent pour la plupart de l’environnement naturel et bâti des lieux occupés – passant de l’architecture religieuse, totalitaire et industrielle à l’urbanisme – Santa Maria Assunta #2 entre en dialogue avec la cathédrale de Sienne en Italie, dont la particularité architecturale repose notamment sur son espace intérieur ornementé de larges bandes horizontales noires et blanches. Constitués eux aussi de lignes, les éléments angulaires de la série Santa Maria Assunta #2 s’apparentent aisément à des structures futuristes ou encore à des artefacts ethnographiques de provenance inconnue.
À l’instar de ces aspirations modernes intéressées à la contraction du monde en une logique applicable universellement, cette série d’œuvres participe au développement d’un langage systémique qui permet à l’artiste de proposer lui aussi une synthèse de l’expérience du monde, mais consciente de ses propres limitations. Cette ouverture sur l’extérieur affirme les limitations de la logique interne de ses œuvres, comme si elles incarnaient des fragments de l’incommensurabilité de l’univers et nécessitaient paradoxalement l’extérieur pour exister. Sans chercher à être autonomes et à se replier sur elles-mêmes, ses pièces sont intrinsèquement dépendantes du dehors.
Dans un esprit de progression et de continuité avec elle-même, la pratique de Pilaud s’érige sur les explorations et découvertes de ses projets antérieurs, mais aussi dans la filiation de l’histoire de la sculpture moderne. Or, il serait erroné de s’arrêter ici. Ses projets baignent également dans l’hétérogénéité de la sculpture contemporaine, dans ce que l’historienne de l’art Rosalind Krauss entend par le “champ étendu de la sculpture”1. Les œuvres de cette exposition en sont un bel exemple. Déployées à coup d’exploration de la matière, elles marquent un nouveau tournant dans la pratique de l’artiste avec l’intégration “étrangère” de pigments pourtant propres au médium pictural. Cela laisse donc présager que cette orientation nouvelle, ou encore “contamination” par la peinture, guidera fort probablement l’élaboration de ses projets à venir qu’ils se déploient en galerie ou avec prestance quelque part dans le paysage.
Julie Alary Lavallée

http://matthieupilaud.com/index.html